雕塑设计要素

雕塑设计的两个最重要的元素是质量空间,当然只有在思想上才能分开。 所有雕塑都是由具有质量的物质构成的,并且存在于三维空间中。 因此,雕塑的质量是包含在其表面内的固体,材料,占空间的体积。

空间通过三种主要方式进入雕塑设计:
01.雕塑的物质成分延伸到空间中或在空间中移动;
02.它们可能封闭或包围空间,从而在雕塑中产生凹陷和空隙;
03.它们可能在太空中相互联系。 体积,表面,明暗和颜色是雕塑的辅助元素。

雕塑设计要素

雕塑设计对质量或空间的重视程度差异很大。 在埃及雕塑和20世纪画家Constantin Brancusi的大多数雕塑中。 例如,质量是最重要的,雕刻家的大部分思想都致力于塑造整块固体材料。 另一方面,在Antoine Pevsner或Naum Gabo的20世纪作品中,质量被减小到最小。 有时仅由透明的塑料或细金属棒组成。 组件本身的固体形式并不重要。 它们的主要功能是在空间中移动并封闭空间。 在亨利·摩尔(Henry Moore)和芭芭拉·赫普沃斯(Barbara Hepworth)等20世纪雕塑家的作品中,空间和质量元素被视为或多或少平等的伙伴。

不可能一次看到完整的三维形式的整体。 观察者只有将其转过或自己绕过它,才能看到全部。 因此,有时会错误地认为雕塑必须主要设计为呈现一系列令人满意的投影视图。 而且,这种多样的观点构成了雕塑和绘画艺术之间的主要区别,绘画和绘画艺术仅呈现其主题的一种观点。 这种对雕塑的态度忽略了以下事实:可以将实体形式理解为体积,可以从任何一个方面全面地构思它们。 大量雕塑被设计为主要作为体积来理解。

单个体积是可以在圆形中构想的三维实体形式的基本单位。 一些雕塑仅由一个体积组成,另一些则由多个体积构成。 雕塑家通常将人的身材看作是体积的配置,每个体积都对应于身体的主要部分,例如头部,颈部,胸部和大腿。

雕塑中的孔和腔与实体形状一样精心成形,并且与整体设计同等重要,有时也称为负体积。

实际上,雕塑的表面就是人们实际看到的所有东西。 从他们的变形中可以推断出雕塑的内部结构。 可以说,表面具有两个方面:
01.它包含并定义了雕塑体的内部结构。
02.它是雕塑与外部空间建立联系的部分。

在雕塑中,不同种类的表面的表达特性至关重要。 双弯曲的凸面表明饱满,密闭,封闭,内力的向外压力。 在印度雕塑的美学中,此类表面具有特殊的形而上学意义。 将空间侵占到雕塑的整体中。 凹形表面暗示了外力的作用,通常表示塌陷或腐蚀。 平坦的表面易于传达材料硬度和刚度的感觉。 它们不弯曲或不屈服,不受内部或外部压力的影响。 在一个曲率上是凸面而在另一个曲率上是凹面的表面。 它可以建议内部压力的运行,同时可以接受外力的影响。 它们与增长,向太空扩展相关。

与画家在作品中创造光效的画家不同,雕刻家可以操纵作品上的实际光线。 他的作品形式上的明暗分布取决于外部光源的方向和强度。 然而,在某种程度上,他可以确定这种外部光将产生的效果。 如果他知道该作品将放置在何处,则可以使其适应可能接收到的光线。 埃及和印度灿烂的头顶阳光需要与北部中世纪大教堂昏暗的室内光线进行不同的处理。

再者,可以通过切割或建模深的,吸引阴影的凹陷和突出的,突出的山脊来创建明暗或明暗对比效果。 许多后期的哥特式雕塑家都将光和影作为其作品的有力表现力。 他们的目标是一种神秘的模糊感,其形式被黑暗背景下出现的阴影打破。 来自希腊,印度和大多数意大利文艺复兴时期的雕塑家塑造了他们作品的形式。 并使它们以使整个工作充满光芒的方式接收光。

雕塑的颜色可以是天然的,也可以是彩色的。 在最近的过去,雕塑家比以往任何时候都更加了解雕塑材料的内在美。 在“对材料求真”的口号下,许多人以利用其自然属性(包括颜色和纹理)的方式来处理其材料。 然而,近来,使用明亮的人工着色作为雕塑设计中的重要元素的趋势正在增长。

在古代世界和中世纪时期,几乎所有雕塑都是人工上色的,通常采用大胆的装饰性而非自然主义的方式。 例如,大教堂的雕刻门将采用当代照明手稿的所有光彩和镀金。 在17世纪之前,由不同颜色的材料(例如某些希腊雕塑的象牙和黄金)组成的组合并不鲜见。 但是早期的巴洛克雕塑家吉安·洛伦佐·贝尼尼(Gian Lorenzo Bernini)通过将各种颜色的大理石与白色大理石和金青铜相结合,大大扩展了这种做法。

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